El pentagrama y sus componentes

El pentagrama y sus símbolos.

¿Qué es un pentagrama?

Es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales en el sistema de notación musical occidental. Está formado por cinco líneas y cuatro espacios o interlíneas, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes.

Para escribir música se representan en el pentagrama los signos musicales pertinentes en su altura o función correspondiente dependiendo del efecto deseado. Tales signos pueden ser colocados dentro, por encima o por debajo del pentagrama.

Los principales signos representados son las notas musicales, los silencios, la clave, la armadura, el compás, el tempo y el carácter.

v  Las notas musicales:

Nota en el ámbito de la música se refiere a un sonido determinado por una vibración cuya frecuencia fundamental es constante. Así pues, el término "nota musical" se emplea para hacer alusión a un sonido con una determinada frecuencia en sí.

v  El silencio:

En música un silencio o pausa es un signo que representa gráficamente la duración de una determinada pausa en una pieza musical.

v  La clave:

La clave en notación musical es un signo cuya función es indicar la altura de la música escrita,  asignando una determinada nota a una línea del pentagrama, que se toma como punto de referencia para establecer los nombres del resto de las notas.

  

v  La armadura:

La armadura de clave o simplemente armadura en notación musical es el conjunto de alteraciones propias (sostenidos o bemoles) que escritas al principio del pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad específica.

a)      Los sostenidos:

El sostenido (♯), en el ámbito de la notación musical, es un signo conocido como alteración que afecta a la altura de una nota aumentando ésta en un semitono.

b)      El bemol:

El bemol (♭), en el ámbito de la notación musical, es un signo conocido como alteración que afecta a la altura de una nota reduciendo ésta un semitono.

v  El compás:

El compás es la entidad métrica musical compuesta por varias unidades de tiempo (como la negra o la corchea) que se organizan en grupos, en los que se da una contraposición entre partes acentuadas y átonas.

v  El tempo:

Tempo (en plural, tempi), movimiento o aire en terminología musical hacen referencia a la velocidad con que debe ejecutarse una pieza musical.

v  El carácter:

El carácter es la propiedad por medio de la cual se manifiestan los sentimientos en la música.

A continuación, se enumeran los indicadores de carácter más usados con sus significados:

·         agitato: agitado, excitado.

·         animato: animado

·         calmato: calmado

·         con anima: con alma, con mucha carga sentimental.

·         con brio o vitamente: con brío, con vida.

·         con grazia, giocoso o grazioso: con gracia.

·         deciso: decidido, seguro.

·         comodo: cómodo.

·         con amore: con amor.

·         con passione, passionato, passionatamente, con fuoco: con pasión, con fuego.

·         con dolore, 'doloroso o dolorosamente: con dolor.

·         espressivo: expresivo, con mucha transmisión sentimental.

·         lontano: lejano.

·         maestoso: majestuoso, lleno de dignidad.

·         marziale: marcial.

·         mesto, lacrimoso o piangevole: triste, con tristeza.

·         misterioso: misterioso.

·         mosso: movido.

·         piacévole: placentero.

·         risoluto: resuelto.

·         scherzando: jugueteando.

·         sémplice: simple.

·         tranquillo: tranquilo, con paz.

·         vigore: vigoroso.

https://www.youtube.com/watch?v=PyzPZIy3HvM

la musica definición

 la musica

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonido, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estetica. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

https://www.youtube.com/watch?v=OnFUQVaC4VU 

Método Dalcroze

    Émile-Jacques Dalcroze, pedagogo y compositor suizo, se oponía a la ejercitación mecánica del aprendizaje de la música por lo que ideó una serie de actividades para la educación del oído y para el desarrollo de la percepción del ritmo a través del movimiento. Con este propósito hacía marcar el compás con los brazos y dar pasos de acuerdo con el valor de las notas, mientras él improvisaba en el piano. Llegó a la siguiente conclusión: el cuerpo humano por su capacidad para el movimiento rítmico, traduce el ritmo en movimiento y de esta manera puede identificarse con los sonidos musicales y experimentarlos intrínsecamente. Dalcroze consiguió que sus alumnos realizaran los acentos, pausas, aceleraciones, crescendos, contrastes rítmicos, etc. Al principio se improvisaba, para luego pasar al análisis teórico.

    Para Dalcroze la rítmica es una disciplina muscular. El niño que ha sido formado en ella, es capaz de realizar la organización rítmica de cualquier troza musical. No se trata de “gimnasia rítmica” sino de una formación musical de base que permita la adquisición de todos los elementos de la música. Pretende, igualmente, la percepción del sentido auditivo y la posterior expresión corporal de los percibido (el ritmo de cualquier canción escuchada es traducido por su cuerpo instintivamente en gestos y movimientos).

     Aunque la metodología Dalcroze está estructurada para los diferentes niveles educativos, se centra más en la educación infantil.

     Los principios básicos del método son: todo ritmo es movimiento; todo movimiento es material; todo movimiento tiene necesidad de espacio y tiempo; los movimientos de los niños son físicos e inconscientes; la experiencia física es la que forma la conciencia; la regulación de los movimientos desarrolla la mentalidad rítmica.

Según estos principios, las características básicas de este método son:

1. La rítmica Dalcroze se basa en la improvisación. Los niños caminan libremente, y entonces comienza el piano a tocar una marcha suave y lenta, sin advertirles nada, los alumnos adaptan poco a poco su marcha al compás de la música. Así va introduciendo los valores de las notas (las figuras):

        -Las negras para marchar

        -Las corcheas para correr

        -La corchea con puntillo y semicorchea para saltar

2. Se desarrollan ejercicios apropiados para la orientación espacial. Como por ejemplo, marchas en círculo hacia derecha e izquierda levantando y bajando los brazos a la voz de “hop”.

3. Se desarrollan ejercicios apropiados para hacer sentir los matices. Ejemplo: el profesor toca una música suave y los niños andan de puntillas (siempre en círculos), y cuando la música es fuerte y marcada, marchan marcando fuertemente el paso.

4. Se desarrollarán movimientos expresivos para la interpretación y el carácter de la obra musical.

5. El silencio se hará sentir relacionándolo con la interrupción de las marchas con ausencia de sonido.

   Para vencer las dificultades que ofrecía la respuesta corporal creó una serie de ejercicios de aflojamiento y de independencia para las extremidades, el tronco y la cabeza a fin de que sus alumnos pudieran moverse con toda libertad. También creó una serie de ejercicios de desinhibición, concentración y espontaneidad, que les permitían reaccionar inmediatamente a una señal musical dada.

   El principal objetivo era que este método fuera utilizado en los jardines de infancia y en las escuelas elementales de música, además fue aprobado por médicos y psicólogos. Fue aplicado también para niños neuróticos y retardados así como débiles mentales.

https://www.youtube.com/watch?v=csQ7UnWIBG8

 

 

El MÉTODO ORFF

Fue creado por Karl Orff ( 1895 - 1985 ), músico y pedagogo de nacionalidad alemana.  El
El objetivo de este método, era masificar la enseñanza de la música. 
El método propone la ramificación de palabras sensibilizando así a los niños a los elementos más simples del rítmo.- pulso y acento, luego figuras, las que rápidamente conduce al niño a,.graficar el ritmo de palabras simples, sin manejar elementos de ayuda.

consideraba que el inicio de la educación musical está en la rítmica, que ocurre en forma natural en el lenguaje, los movimientos y percusiones que este sugiere.

Tiene como punto de partida las canciones de los niños y las rimas infantiles. La improvisación comienza con canciones - juegos de acuerdo al desarrollo del niño.
El fundamento principal de esta primera etapa es la completa y espontánea expresión musical propia del niño, la cual se ha comprobado, es más conveniente que una preparación técnica extensa. Este método otorga importancia relevante al ritmo, comprende una gran variedad de actividades y se caracteriza por la riqueza de recursos.

 CARACTERISTICAS.

Con el método de Carl Orff se pretende enseñar los elementos musicales en su estado más primitivo. Los instrumentos utilizados en este método no requieren una técnica especial (como el violín o el piano). Así, hablamos de pies, manos, etc., o instrumentos básicos como el tambor o el triángulo. Se basa en los juegos de los niños y en aquello que el niño comprende y utiliza normalmente.

1. El método está muy relacionado con el lenguaje, ya que los ritmos se trabajan muchas veces con palabras. De ahí se deduce que también las palabras se pueden trabajar con los ritmos, y por lo tanto encontramos en este método una gran ayuda para el habla de nuestro hijo.
2. Se trabaja también con canciones populares, como hemos visto en el método Kodály, para que el niño practique con los elementos musicales más sencillos y pueda pasar después a aprender la teoría.

Un aspecto muy desarrollado por el método Orff es el del movimiento, pero se trata de un movimiento corporal básico, no de ballet. Así, estamos hablando de caminar, saltar o trotar al ritmo de la música.

PROCEDIMIENTO.

El entrenamiento melódico se realiza a partir del recitado rítmico de rimas, adivinanzas, que entonaran utilizando el intervalo más sencillo y común en las canciones infantiles.
El método básico de escala que se usa es la escala pentatónica: DO - RE - MI - SOL - LA.

ESCALA PENTATÓNICA.

Como su nombre indica, la escala pentatónica tiene únicamente cinco notas. Podemos deducir rápidamente que se han suprimido tres notas de la escala convencional que todos conocemos. Esta supresión se hace siguiendo unos criterios (que ahora no vienen al caso) según deseemos una pentatónica menor o mayor.
Se comenzó a utilizar, en la música occidental, a finales del siglo XIX, como escala fija. Las escalas pentatónicas, es decir, de cinco notas, pueden encontrarse en gran parte de las músicas folclóricas y no occidentales, en las que suelen mezclarse intervalos de tercera con tonos enteros: DO, RE, FA, SOL, LA o bien DO, RE, MI, SOL, LA.

CONCLUSIÓN.

Orff basa su método o sistema en los ritmos del lenguaje, cuyas palabras poseen una rica fuente de elementos rítmicos, dinámicos y expresivos, que junto con el cuerpo forman la conjunción del ritmo (palabra- cuerpo – movimiento) y la vivencia del mismo.

Dalcroze considera a la rítmica, o ritmo del cuerpo, como la base y punto de partida de los estudios musicales, mientras que Orff toma como base los ritmos del lenguaje.

Para Orff, el cuerpo trabajará como un instrumento de percusión de timbres variados, que emplea cuatro planos sonoros, pies, rodillas, palmas y dedos, con los que se pueden conseguir distintas variedades rítmicas y dinámicas. 

la musica en los jovenes

La música siempre ha formado uno de los elementos principales en la formación de la cultura, y a su vez puede influir en costumbres y emociones de los individuos. Durante la historia la música ha sufrido grandes cambios, se puede notar en los cambios de ritmos musicales durante los años que van desde la música clásica, pasando por la música disco hasta llegar a la actual, cada época ha tenido un estilo musical que la represente.
Los adolescentes son los más propensos a ser influenciados por los nuevos estilos musicales, ya que se sabe que los jóvenes construyen su odentidad con el vestuario, el peinado, el lenguaje, y la música. Los jóvenes se unen a grupos. Los amigos son el centro donde se forman los patrones de conducta que sigue el adolescente. El deseo de ser independiente de la familia lo va a suplir con la dependencia de un grupo. En definitiva, se establece un sistema de creencias. Los miembros del grupo actúan siguiendo estas creencias. En los grupos en los cuales, el elemento de unión, es la música, las creencias se generan a partir de ella. Ella es la que determina la forma de vestirse, de peinarse, de moverse, la forma de hablar. Este conjunto de creencias construye la identidad de ese grupo de pertenencia. Por eso es que la poblacion joven, sean los que muestra mayor nivel de compra de material discográfico y son la audiencia principal de los canales de videos musicales.

En un mundo que tiende a la homogeneidad extrema, la música parece ser la última salida donde mostrar una diferencia. Ser original, independiente o rebelde, e ir contra la corriente.    

https://www.youtube.com/watch?v=Xsu90MDr-8 chttps://www.youtube.com/watch?v=n9gH7vVwEBE   

Método de Estudio Instrumental

BASES GENERALES
El estudio cotidiano instrumental tiene como base la metodología del curso de Desarrollo Integral. Dicho estudio está conformado por lo siguiente:

PREPARACIÓN FÍSICA: Es recomendable que el estudiante realice ejercicios de relajación y tonificación adecuados a su edad, antes de estudiar. De esta manera, el estudiante no solo adquiere el tono muscular adecuado para el estudio, sino también aumenta su capacidad de concentración.

PREPARACIÓN EMOCIONAL: Es importante que el estudiante esté consciente del sentimiento que quiere expresar a través de la pieza musical en estudio. Respecto a esto, el maestro guía a cada estudiante de una manera distinta, pues el campo emocional de la música se profundiza de un modo diferente con cada alumno, ya que se considera su edad y temperamento.

PREPARACIÓN MENTAL: El estudiante debe revisar mentalmente la pieza en estudio, pensando en la sonoridad y el carácter expresivo de esta misma. De esta manera el estudiante obtiene un enfoque preciso de lo que quiere escuchar cuando la ejecuta. Asimismo, todo problema técnico se

resuelve a primera instancia a nivel mental. Por ejemplo, si el estudiante tiene un problema de cambio de posición lo primero que hace es visualizarse a sí mismo que realiza dicho cambio de forma precisa y relajada. De este modo, el alumno adquiere seguridad y confianza en el momento de ejecutar físicamente dicho cambio.

OBJETIVOS DEL MÉTODO DE ESTUDIO:

• Aprender a solucionar los problemas de un modo sano y creativo
• Disfrutar el estudio
• Dejar de tener miedo a “equivocarse”
• Adquirir una relación armoniosa, física, emocional y mental con el instrumento.
• Obtener una postura corpórea firme y equilibrada, elemento fundamental para la ejecución de un instrumento
• Conectar el mundo de la música con el mundo interior del estudiante de tal manera que éste logre una interpretación auténtica y libre de tensiones.

PRESENTACIÓN MUSICAL
GENERAL
Los grupos y solistas realizan, al final de un cierto tiempo, una presentación pública.
Cada grupo del Curso de Desarrollo Integral ejecuta una pieza basada en una historia. El maestro narra dicha historio y al mismo tiempo dirige la parte musical ejecutada por los alumnos. De esta manera, la interpretación sonora de cada alumno representa una parte específica del cuento.
Los grupos de música de cámara presentan piezas específicas para dicho tipo de ensambles. En estas presentaciones no hay narración, más sin embargo, las piezas se trabajan siempre con una imagen de la Naturaleza. Los alumnos de instrumento se pueden presentar en grupo o como solistas.

OBJETIVOS
Los objetivos principales de esta forma de presentación pública, son:

• perder el miedo al público
• que cada alumno adquiera una conexión profunda entre su mundo interno y el mundo musical
• desarrollar la capacidad de estar presente física, emocional y mentalmente en el escenario
• vivir el escenario como un espacio mágico donde la Música es el personaje principal

PREPARACIÓN

Es muy importante que los alumnos se preparen física y mentalmente para la presentación musical en público. Para esto, como parte de los ensayos previos a dicha presentación, cada alumno se imagina a si mismo que toca muy bien el instrumento musical con el cual participa en la pieza. Esto les otorga a los alumnos confianza y tranquilidad respecto a su actuación en público. Asimismo, en los momentos previos a ésta, es importante que el grupo o solista realicen ejercicios físicos de relajación y concentración. Esto le da al grupo la energía, concentración y expresividad justa para la presentación.

http://paulinaderbez.com/curso-de-musica/metodo-de-estudio-instrumental/ 

http://es.slideshare.net/ThomasCastroMindiola/diapositivas-de-la-web-40410617